Психологический портрет. Урок развития речи

Разговор о психологическом портрете

Интегрированный урок развития речи

«Сколько прелести есть в человеческих лицах!» — так назвала я урок-вернисаж в IX классе. Я хотела, вырабатывая у своих учеников навыки написания эссе, дать им представление о том, что такое психологический портрет, чем он отличается от простого описания внешности на живописном полотне, умение видеть за портретным изображением внутренний мир человека. И, конечно, развивать при этом их художественное воображение и речь. Эта цель определила и подбор эпиграфов к уроку:

Хороший художник должен уметь писать две главные вещи: человека и представление его души.

Леонардо да Винчи,

итальянский живописец, скульптор

Каждое лицо интересно. Задача художника-портретиста — выразить внутренний мир человека, дать свою оценку.

Илья Глазунов,

российский художник

Что такое фотография в сравнении с таким созданием, как портрет, деланный рукою высокого художника!

Владимир Стасов,

художественный критик

Самый прекрасный портрет никогда не заменит ушедшего человека. Но портрет может явить нашему взору нечто такое, что не скажут нам о человеке ни письма, ни дневники, ни роман, ни лирика, и даже не выразит музыка.

Михаил Алпатов,

искусствовед

Понятно, что к этому занятию был подготовлен большой изобразительный материал: репродукции картин Леонардо да Винчи, Рафаэля, работ портретистов XVIII и XIX веков, Абылхана Кастеева, современных художников.

Я начинаю урок еще одним эпиграфом — поэтическим. Это известное стихотворение Н. Заболоцкого «Портрет», которое дает тон всему занятию:

Любите живопись, поэты!

Лишь ей, единственной, дано

Души изменчивой приметы

Переносить на полотно.

    Ты помнишь, как из тьмы былого,

Едва закутана в атлас,

С портрета Рокотова снова

Смотрела Струйская на нас?

Ее глаза — как два тумана,

Полуулыбка, полуплач,

Ее глаза — как два обмана,

Покрытых мглою неудач.

Соединенье двух загадок,

Полувосторг, полуиспуг,

Безумной нежности припадок,

Предвосхищенье смертных мук.

Когда потемки наступают

И приближается гроза,

Со дна души моей мерцают

Ее прекрасные глаза.

Говорю, что Федор Степанович Рокотов — русский живописец портретист XVIII в., который передавал в своих работах духовную и физическую красоту людей. Портрет Струйской, о котором идет речь в стихотворении, хранится в знаменитой Третьяковской галерее в Москве.

Обозначив цель урока — учиться писать эссе по произведению живописи, — предлагаю толкование этого слова: эссе — прозаическое произведение небольшого объема и свободной композиции, выражающее индивидуальные впечатления и соображения по конкретному поводу.

— Что такое портрет? Да, вы правы: это изображение человека на картине или фотографии. По-видимому, уже после создания первого портрета родилась легенда о том, что изображение оживает. В древнеиндийском трактате всемогущий Брахма вернул жизнь умершему человеку, повелев сделать его подобие. Портрет издавна считался особым, даже высшим родом изобразительного искусства. Ни один из его жанров не вызывал столько споров, не привлекал столько внимания.

Ученики высказывают свое мнение о том, для чего создаются портреты, и рассматривают работы мастеров разных эпох. Только ли красивых людей мы здесь видим? Для чего же берутся художники за кисть, что пытаются нам оставить на память, изображая того или иного человека? Что их интересует в первую очередь в своей модели?

Мы приходим к выводу, что портретисты изображают не только внешность, но и внутренний мир, чувства, даже черты характера. Сопоставляем портреты кисти Рокотова, Перова, Крамского, Репина, Брюллова, Врубеля и других художников, обращая внимание на различную манеру письма, творческий подход, цели и задачи, которые ставили перед собой мастера живописи, и подводя учащихся к мысли, что портрет — это зеркало души. Оно может и льстить, и говорить правду, раскрывая внутренний мир человека или ставя вопросы.

Этот урок — своего рода вернисаж, на котором мы знакомимся с работами выдающихся художников-портретистов прошлого и наших современников, учимся видеть в произведении этого жанра живописи не фотографическую копию, а психологический портрет человека.

Искусствовед. В Древнем Египте в первые века нашей эры на лица умерших стали класть не маски, как делали раньше, а портреты, написанные на досках или холстах красками, растертыми на воске. Так в живописи возник портретный жанр. Посмотрите на репродукции: как глубок и пронзителен человеческий взгляд, обращенный к нам сквозь века. В чем особенность этих портретов? (Они все печальные, т. к. изображают умерших.) Уже в ту пору художники стремились передать настроение и чувства людей, хоть и умерших.

Прошли века, много катастроф и войн разразилось над планетой, исчезали цивилизации и культуры, горели города и библиотеки, свитки и рукописи, холсты великих мастеров. Но множество шедевров дошло и до наших дней.

Мы ведем разговор о самом известном, но в то же время противоречивом, загадочном портрете в истории живописи — «Джоконде» Леонардо да Винчи. Искусствовед рассказывает о его творчестве, об истории создания картины (по материалам книг Майкла X. Харта «100 великих людей», Н. А. Иониной «100 великих картин», В. Липатова «Краски времени»).

Ученики рассматривают репродукцию картины «Джоконда» и читают распечатанные фрагменты из статей искусствоведов М. Алпатова и В. Липатова.

В 1503 году художник вернулся во Флоренцию. Здесь им был создан портрет Джоконды, один из самых замечательных портретов в истории мирового искусства. Леонардо видел в этом портрете нечто большее, чем изображение Моны Лизы, жены неаполитанского купца Джокондо. Об этом говорит сходство этого портрета со многими другими лицами Леонардо, его ангелами. Уже в ранних женских образах Леонардо проскальзывают черты, которые получили в Джоконде наибольшее выражение, и прежде всего едва уловимая, как бы скользящая по лицу обаятельная улыбка. Улыбка была для Леонардо знаком внутренней жизни человека. В Джоконде улыбка сочетается с особенно сосредоточенным, проницательным взглядом; улыбка эта влечет к себе, холодный взгляд отстраняет. Уже одно это противопоставление сообщает всему облику женщины небывалую сложность...

Переводя свой взгляд от ее глаз к устам и от уст к нежным и вместе с тем волевым рукам, зритель раскрывает в ее облике всё богатство и противоречивость ее натуры.

Неудивительно, что критики говорили о загадочности Джоконды, Полуфантастический пейзаж со своими голубовато-зелеными горами, извилистыми тропами и мостками хорошо вяжется с ее обликом: он уводит куда-то вдаль и овеян дымкой недосказанности и мечты. Живописная техника «Джоконды» — это чудо мастёрства. Леонардо работал над ней несколько лет и все же считал ее незаконченной.

Самое замечательное в этом произведении то, что вся эта жизнь, всё это зыбкое и противоречивое, вся сложность образа, весь трепет воздуха и игра светотени — всё это облечено Леонардо в классически ясную композицию.

Будучи полугрудным портретом, «Джоконда» производит такое же законченное и величавое впечатление, как портрет в рост. Своей композицией она оказала влияние на последующих мастеров, хотя никто из подражателей Леонардо не мог сосредоточить в одном холсте равную силу жизни.

Михаил Алпатов

У скромно одетой женщины, изображенной на портрете, — спокойный, притягивающий взгляд, убегающая и вновь возникающая улыбка, голова покрыта тончайшей «вдовьей» вуалью. Чудесные, мягкие, удивительно женственные руки.

Ее не назовешь красавицей, и в то же время она прекрасна, Чудится: грустит, но глубоко не страдает, — может быть, потому, что только умом воспринимает печаль. Ее взгляд проникает в вашу душу и сердце — и вас пленяет, захватывает. Она словно смотрит с тихим лукаво сожалеющим торжеством, словно уверена заранее: вы не устоите перед ее обаянием. Перед вами «живой» портрет. Об этом писал Джорджо Вазари, видевший картину в ее первозданной красе: «...в этом лице глаза обладали тем блеском и той влажностью, какие мы видим в живом человеке. А всякий, кто внимательнейшим образом вглядывался в дужку шеи, ви-дел в ней биение пульса».

С той поры картина потемнела и покрылась сетью трещинок, поэтому биение пульса уже не различишь, но по-прежнему во внимательных глазах пульсирует жизнь и не исчезает улыбка, которую называли непонятной, смущающей и даже беспощадной.

Существует предположение, что в «Джоконде» художник запечатлел свое душевное состояние, свою «идею», свое мировоззрение и мировосприятие. Даже ее высокий, чуть сдавленный лоб, увеличенный почти полным отсутствием бровей (мода того времени), называют «лбом Леонардо да Винчи».

Кажется, что женщина эта всё о нас знает, заставляет нас задуматься о себе, о своем бытии.

Никто из живописцев мира не достигал такого мастерства в передаче эмоционального мира человека, его психологической характеристики.

Виктор Липатов

Провожу беседу по картине:

Мона Лиза — очень богатая женщина, но на ней нет никаких украшений. Почему?

Что отмечают все исследователи в этом портрете?

Что говорит М. Алпатов о ее улыбке? Чему улыбается Джоконда?

Какие еще детали в портрете он выделяет?

Что придает облику Джоконды, кроме улыбки, «небывалую сложность, противоречивость, загадочность»? Какую роль в этом играет пейзаж?

Чем «замечательна» композиция «Джоконды»?

Мастер оставил художникам всех поколений совет: «Пусть мягкие света неощутимо переходят в приятные и очаровательные тени; в этом — условие прелести и красоты. Когда ты собираешься кого-либо портретировать, то рисуй его в дурную погоду, к вечеру... Рисуй портретное произведение, когда облачно или туманно. Это совершенный воздух». Как это проявляется в «Джоконде»?

Искусствовед. «Джоконда» выставлена в парижском музее Лувр в зеленоватом зале, просторном, чуть затененном, где словно бы навек сохранена излюбленная «дурная погода» художника. Жена флорентийского купца Франческо Джокондо Мона Лиза в том зале не одна: ее окружают герои Тициана, она вместе с теми, кто мог ее видеть въяве на улицах Флоренции или в зеленовато-голубом пейзаже Тосканы, как написал ее Леонардо. Существует много версий того, кто же изображен на портрете. Есть предположение, что это некая знатная горожанка, родственница Лоренцо Медичи, который был покровителем Леонардо, куртизанка графиня Сфорца. По другой версии, это автопортрет, которому художник придал женские черты. В недавно вышедшей книге Дэна Брауна «Код да Винчи» выдвигается гипотеза, что в одной картине слились два портрета — мужчины и женщины, два начала.

Говорят, что улыбка на лице женщины то появляется, то исчезает. Это причуды восприятия, которое меняется в зависимости от того, на что направлен взгляд. Если смотреть в глаза Моне Лизе, то подбородок оказывается в периферийной зоне зрения, которая и создает эффект неуловимой улыбки, но стоит взглянуть на губы, и она пропадает. Мона Лиза смотрит так, как будто знает то, чего не знают другие.

Леонардо работал над портретом 4 года и, по легенде, настолько слился с ним, что отказался отдать заказчику.

Завершая разговор о портрете Моны Лизы, предлагаю записать в тетради ключевые слова, которые будут использованы в эссе. Ученики слушают стихотворение Л. Хаустова «Джоконда»:

Всегда в движенье.

С поворота

Она всё ближе, всё видней.

И, словно с птичьего полета,

Земля виднеется за ней.

Мосты,

долины,

рощи,

реки

И воздуха голубизна.

Раздумием о человеке

Как бы охвачена она.

Взгляд, любопытства полный, светит,

В нем строгой нежности запас.

И так вот пятое столетье

Она рассматривает нас!..

Переходим к творчеству современника Леонардо да Винчи, итальянского художника XV—XVI веков, автора знаменитой «Сикстинской мадонны» Рафаэля Санти.

Искусствовед. Рафаэль был сыном художника и поэта-гуманиста и рано достиг высших почестей. Римский папа хотел увенчать его небывалой для живописца наградой, и лишь смерть помешала ему стать кардиналом. Современники отмечали его редкие душевные качества, скромность, высокую нравственность, трудолюбие и красоту. У Рафаэля всегда было множество учеников, которым он помогал и который руководил с чисто отеческой любовью. Известны портреты, написанные Рафаэлем. Лучшим из них считается портрет автора книги «Кортеджиано» Бальдассаре Кастильоне, который хотел создать идеальный образ человека Возрождения, сочетавшего в себе физическое и духовное совершенство. Поражают на этом портрете глаза: живые, доброжелательные, умные. Из них так и льется чарующая мягкость и доброта. Но самым известным из многочисленных творений Рафаэля стала «Сикстинская мадонна». Законченная за год до смерти 37-летнего художника, эта картина — своеобразное духовное завещание Рафаэля, обращенное к будущим поколениям. Великие русские писатели Пушкин, Жуковский, Толстой и Достоевский преклонялись перед ней. Вместе с другими сокровищами Дрезденской галереи картина была спасена от гибели советскими воинами, отреставрирована в Советском Союзе и в 1955 г. возвращена Германии.

Я вывешиваю репродукцию, и ученики читают отрывок из книги Льва Любимова «Искусство Западной Европы»:

«Сикстинская мадонна» (так названная по имени монастыря, для которого был написан этот алтарный образ) — самая знаменитая картина Рафаэля и, вероятно, самая знаменитая из всех вообще кар-тин, когда-либо написанных. Недаром Поленов писал, что «Сикстинская мадонна» уже давно составляет для европейца «такой же культ, как для араба черный камень в Мекке».

Мария идет по облакам, неся своего ребенка. Слава ее ничем не подчеркнута. Ноги босы. Но как повелительницу встречает ее, преклонив колени, папа Сикст, облаченный в парчу; святая Варвара опускает глаза с благоговением, а два ангелочка устремляют вверх мечтательно задумчивый взор.

Она идет к людям, юная и величавая, что-то тревожное затаив в своей душе; ветер колышет волосы ребенка, и глаза его глядят на нас, на мир с такой великой силой и с таким озарением, словно видит он и свою судьбу, и судьбу всего человеческого рода.

В беседе по картине останавливаюсь на ключевых вопросах. Например, обращаю внимание на то, какова роль занавеса в картине. В. А. Жуковский, видевший ее, как и многие русские писатели и художники XIX века, в Дрездене, писал: «Занавесь раздвинулась, и тайна небес открылась глазам человека... В богоматери, идущей по небесам, не приметно никакого движения; но чем более смотришь на нее, тем более кажется, что она приближается».

Что же необычного в облике богородицы (в католической религии — Мадонны)? Художник опрощает ее образ, сравнивая с крестьянской женщиной. Ее богоизбранность ничем не подчеркнута, главное в ней — материнство, тревога за будущее сына. На чистом, девически наивном лице Марии Рафаэль выделяет широко раскрытые темные глаза, полные печали и тревоги. Ее уверили, что она — богородица. Она несет своего ребенка навстречу страданиям, но в то же время прижимая его к себе. Мария предвидит трагическую судьбу своего сына и все-таки несет его людям. Чем ее сын не похож на обычного ребенка? Лицо его не по-детски серьезно, и он смотрит на нас так, как будто предвидит и свою судьбу, и судьбу всего человечества.

В заключение беседы учащиеся делают запись в тетради, от которой смогут оттолкнуться в эссе: «Обычный религиозный сюжет превращается в «Сикстинской мадонне» в прославление величия человека, способного во имя высшего долга идти навстречу мукам и смерти». А я читаю отзыв о картине В. Г. Белинского: «Был я в Дрезденской галерее и видел Мадонну Рафаэля. Что за благородство! Что зря грация кисти! Нельзя наглядеться! Я невольно вспомнил Пушкина: то же благородство, та же грация выражения, при той же верности и строгости очертаний. Недаром Пушкин так любил Рафаэля: он родня ему по натуре». Это служит логическим переходом к разговору о портретах Пушкина работы Ореста Адамовича Кипренского и Василия Андреевича Тропинина. Искусствовед рассказывает историю их создания, а затем мы сопоставляем их.

— В чем основное отличие работ двух художников?

— Портрет Кипренского, по сравнению с портретом Тропинина, более парадный. Здесь Пушкин изображен не в домашнем халате, а в парадном костюме. На правое плечо накинут плащ. Белый воротник повязан по моде того времени широким черным шелковым галстуком в виде банта. Вдохновенное лицо, ясный задумчивый взор, торжественно скрещенные на груди руки — всё подчинено основному замыслу художника: дать образ великого поэта России. Бронзовая статуэтка на заднем плане, изображающая музу — покровительницу поэзии, написана несколько позже по просьбе друзей Пушкина и служит этой же цели. По свидетельству современников, портрет был удивительно правдив: те же непокорные вьющиеся волосы, тот же слегка приплюснутый нос и несколько выступающий вперед рот, та же прекрасная рука с сильными тонкими пальцами. В трудную пору писал Кипренский Пушкина: после 14 декабря 1825 года в стране царила реакция. Казнены и сосланы друзья поэта и художника, задушено вольнолюбие, но в 1827 году написан портрет Пушкина и созданы «Арион» и «Во глубине сибирских руд...». Сергей Львович, отец поэта, считал: «Лучший портрет сына моего есть тот, который написан Кипренским». Писать портрет Пушкина было трудно. По свидетельству современников, он был многолик, в одну минуту переходил от веселости и смеха к задумчивости и размышлению.

Ученики составляют устное описание портретов и записывают словосочетания, которые потом используют в эссе: ясность мысли, большой красивый лоб, непослушные волосы, будто тронутые пролетевшим ветром, гордое достоинство, в проницательных глазах сквозит ум. горькая складка у рта, удивительно прозрачные глаза. затаенная печаль, выражение горечи. печаль художника и модели, шедевр портретной живописи.

Материалом для эссе служит и стихотворное послание Пушкина Кипренскому «Любимец моды легкокрылой...».

А мы переходим к созданному Ильей Ефимовичем Репиным портрету композитора Мусоргского.

Искусствовед. Этот портрет был создан всего за 4 дня. Писал Репин Модеста Петровича Мусоргского в больнице незадолго до смерти композитора. Он знал Мусоргского много лет. Когда художник писал его портрет, композитору шел 42-й год, а выглядел он стариком. Увидев Репина в больнице, Мусоргский обрадовался, говорил о своем выздоровлении, о новых музыкальных работах. А Репин знал, что положение его безнадежно, и понимал, что должен написать его, чтобы оставить будущим поколениям России портрет одного из великих людей своего времени.

Модест Петрович сидел в кресле в русской вышитой рубахе, в халате с бархатными малиновыми отворота-ми. Мартовское солнце щедро освещало больничную палату, фигуру, лицо композитора. Репину вдруг стало ясно: вот так и надо его писать. Он принес с собою краски, холст, но не взял мольберта и кое-как примостился у стола. Сердце сжималось от тоски, но под кистью возникал образ друга.

Через две недели Мусоргский умер. Портрет его, задрапированный черным сукном, экспонировался на второй выставке художников передвижников. Когда критик Стасов привез этот портрет на выставку, он был свидетелем того, с каким восхищением его приняли. Крамской просто ахнул от удивления. Он взял стул, уселся перед портретом прямо в упор к лицу и долго-долго не отходил. «Что этот мастер нынче делает, — сказал он, — просто непостижимо! Как нарисовано всё, какою рукою мастера, как вылеплено, как написано!».

Тяжелая жизнь, нужда, непризнание его музыки современниками — всё это подорвало здоровье композитора. По словам Стасова, биография Мусоргского коротка, печальна, безотрадна, как почти у всех лучших талантов той эпохи. Это и отразилось в психологическом портрете, на-писанном Репиным.

— Почему Репин пишет портрет умирающего друга?

— А почему художник жертвует красотой искусства, показывая нам своего героя в неприглядном свете?

— Какие варианты начала вы могли бы предложить при написании словесного психологического портрета?

— О человеческой памяти, о долге друга, о впечатлении, которое производит портрет при первом взгляде и как мы его воспринимаем, узнав судьбу композитора, и т. д. Можно сразу начать с описания работы художника.

— Итак, художники выбирают модель, желая донести до нас облик человека, взволновавшего его. И вечная им наша благодарность за то, что они создали живописные образы великих людей, показали их сильные и слабые стороны, раскрыли их богатый внутренний мир. Свой вклад в портретную сокровищницу внес наш казахстанский художник Абыл-хан Кастеев.

Искусствовед. Народный художник республики, лауреат Государственной премии Казахской ССР, Абылхан Кастеев стал одним из основоположников советского казахского изобразительного искусства. С детских лет он много, с упоением рисует всё, что видит и как может. Подростком, будучи чабаном, рисовал на кусках простой бумаги свои первые картины. Вечером, возвращаясь в аул, слушал упреки седых аксакалов, возмущенных нарушением заветов Корана, запрещающего рисовать людей и животных. Работал чернорабочим, строителем Турксиба. Заметив талант парня, его посылают в Алма-Ату в художественную студию Хлудова, дважды посылают учиться в Москву, но обстоятельства не позволили ему получить в столице профессиональное образование. Он возвращается на родину, где работает как художник. Широкую известность принесли ему портреты Амангельды Иманова, Жамбыла, Абая. В 1934 году он принял участие в конкурсе на лучший портрет Абая. В разные годы он создал «Портрет юного Абая», «Абай около юрты», «Абай на джайлау».

Мы рассматриваем картину «Абай на джайлау» (1971).

— Чем необычен данный портрет?

— Своеобразной композицией картины.

— Почему художник фигуру поэта выдвигает на первый план, а фоном служит изображение повседневной жизни казахского аула?

Искусствовед. Юрий Домбровский писал: «Есть у Кастеева, и молодого и зрелого, одна способность или тема, за которую я особенно его люблю. Это, если угодно, — пафос пространства, упоение широтой и высотой, необъятность человеческого окоёма: он как бы одним взглядом очерчивает, вмещает в себя целую часть земного круга. Можно десятки километров идти в глубь его картин. Художник смотрит на землю с высоты журавлиного полета, под ним расстилаются степи, поднимаются снеговые вершины, взбираются по склонам гор голубые леса, распахиваются альпийские пастбища. Он хочет вместить в себя всю степь, от гор до гор, всех людей, которые здесь живут и работают, все их юрты, кочевья, стада, дома, ссыпные пункты, сады, токи, элеваторы, кузницы, дороги... Любую такую картину можно смотреть с десятка точек, потому что в ней десятки сюжетов и центров».

— Какие сюжеты разворачиваются в картине «Абай на джайлау»?

— Какова основная мысль картины?

— В какой момент запечатлен акын, случайны ли детали в создании его образа?

Мы приходим к выводу, что в портрете Абая, написанном на фоне казахского аула, художник хотел передать близость поэта к народу, его жизни.

Учитель. Талант настоящего художника проявляется еще и в том, что он умеет в обыденном найти поэтическое. Вот лицо незнакомой нам старой женщины, обыкновенного, ничем не знаменитого человека. За что же *цепляется» наш взгляд? Почему мы не просто скользнули по нему взором, а вернулись, всмотрелись, и отчего-то защемило в душе? Да это же наши бабушки! Всмотритесь в этот портрет кисти известного современного российского портретиста Александра Шилова. Он называется «Зацвел багульник». Всё здесь, казалось бы, просто. Никаких специальных эффектов, способных привлечь наше внимание: ни загадочной улыбки, ни таинственного взгляда, ни гордой осанки, ни ярких красок. Да и сам художник как будто прячет себя, ничем не выдает секретов творческой кухни. Но трогает за душу это полотно. Чем же? Художник изобразил свою бабушку. Но почему нам дорог портрет? Почему он не стал семейной реликвией, а экспонируется на выставках? Многие останавливаются перед ним и невольно произносят: «Как она похожа на мою бабушку».

— На картине воплощен как бы обобщенный образ матери-бабушки, грустный и светлый, простой и высокий.

— Какие же мысли пробуждает в нас этот образ? В чем парадокс названия картины?

— Начало новой жизни — цветение багульника — сопоставляется с закатом человеческой жизни.

— Опишем улыбку старой жен-шины.

— Глаза — зеркало души, а что могут рассказать о человеке его руки?

Мы рассматриваем фрагмент картины — «Руки», описываем натруженные, с набухшими венами кисти рук старой женщины.

— Велико воздействие искусства. Лица незнакомых нам, живших давно людей через десятки и сотни лет продолжают свою повесть о себе, о своей эпохе, об окружающем их мире, тревожат и сегодня наши чувства и мысли, дарят нам радость прикосновения к прекрасному, — завершаю я урок.

На дом ученики получают задание написать эссе на одну из тем:

«Души изменчивой приметы»;

«Встреча с прекрасным»;

«Два портрета» (портреты Пушкина работы Кипренского и Тропинина);

«Глаза — зеркало души» (на примере 3—4 картин);

«Что скажут руки нам о человеке?» (на примере 3—4 картин);

«Дорогой мой человек».