Главная / ИЗО, МХК / Реферат на тему "Образ творца" (9 класс)

Реферат на тему "Образ творца" (9 класс)

МАОУ гимназия №49 города Тюмени







Образ творца

Работу выполнила

ученица класса























Тюмень 2014

Оглавление

Введение 3

Глава 1. Автопортреты Винсента Ван Гога 5

Глава 2. Автопортреты Па́бло Пика́ссо 9

Глава 3. Татьяна Назаренко 14

Глава 4. Галерея Уффици - энциклопедия лучших художников 18

Заключение 20

Список литературы 21























Введение

Ценителей искусства, как правило, интересует не только творчество, но и сама личность автора.

В изобразительном искусстве есть особый жанр, в котором художник возвышается до попытки максимально сфокусировать дух творчества в образе творца, обращаясь к собственному облику как к модели.
Речь идет о жанре автопортрета.

Автопортрет — это написанный с самого себя художником портрет. Еще с древнейших времен художники изображали себя на картинах, отображая свой образ в виде участника различных событий, вымышленных или реальных, часто выступая в образе персонажей из Библии. По мере становления творческой индивидуальности художника и роли роста его социальной значимости, индивидуальных автопортретов стало появляться большое множество. На эпоху Возрождения пришелся их расцвет. Для написания подобного рода работ использовались зеркала, одно или несколько.

Многие художники-живописцы создавали не один, а большое количество портретов себя самих на различных этапах жизни. Например, только один Дюрер создал более 50 своих автопортретов от ранней юности до старости.

Изображая самого себя, художники без посредников, напрямую обращаются к созерцателю. Это своего рода попытка понять свое время и себя, твердо осознавать предопределение творческой личности, подчеркнуть значимость и богатство духовного, внутреннего мира человека (Дюрер, Тициан). Автопортреты Рафаэля и Рубенса полны чувства собственного достоинства, работы Сезанна и Кипренского служили для выражения их творческого миропонимания, а вот автопортрет передвижника Крамского пронизан социальным и гражданским звучанием. Очень часто в картинах присутствовала и внутренняя драма, глубокий разлад художника самим собой и с миром, частые предвестники болезни (автопортреты Ван Гога и Врубеля). Часто художники себя изображали за работой, этим подчеркивая значимость своего творческого процесса.

Через автопортреты, художник непосредственно выражает своё самосознание, оценку собственной личности, свои творческие принципы; с большой остротой воплощено единство личных и общественных начал — ощущение художником причастности своей судьбы к судьбам поколений и классов, к взлётам и упадкам искусства.

В своей работе я постаралась рассмотреть интересных разноплановых художников, живших в разное время: импрессиониста Ван Гога, Кубиста Пикассо и социальную художницу, нашу современницу Татьяну Назаренко. Так же хотела рассказать о собрании автопортретов галереи Уффици.


















Автопортреты Винсента Ван Гога

Винсент Виллем Ван Гог (, 1853—1890 гг.) — всемирно известный нидерландский и французский художник - постимпрессионионист.
Ван Гог, не признанный современниками, у потомков снискал невиданную популярность. Полотна его кисти, спустя сто лет после появления на свет, стали не только одними из самых дорогих произведений современного искусства, они, наконец, были по достоинству оценены знатоками и ценителями подлинных шедевров. Сейчас его произведения украшают собрания самых знаменитых галерей и музеев мира. Ван Гог, чье творчество сейчас искусствоведы называют характерным примером постимпрессионистической живописи, в свое время не получил систематического академического образования и вообще творить начал довольно поздно. Однако, несмотря на это, благодаря дару, постоянным усилиям, труду и собственному неповторимому взгляду на мир, он сумел создать подлинные шедевры.

Ван Гог был одинок. Но есть кое-что, что роднит его с великим предшественником, голландским художником Рембрандтом Ван Рейном. Оба они написали огромное количество автопортретов, более чем кто-либо из других великих художников. Подобно Рембрандту, Ван Гог пристально изучал самого себя, и это было для него дорогой к познанию Вселенной. Во многих его знаменитых автопортретов разных лет жизни сквозит отчаянная попытка диалога художника с самим собою и зрителем.

Двадцать три автопортрета, написанных живописцем во время пребывания в Париже, отражают изменчивость его внутренней жизни и неуемную жажду самопознания. Например, «Автопортрет в соломенной шляпе» (1887) проникнут острым чувством тревоги, ощущаемой не только в тоскующем взгляде модели, но и в светлом колорите картины.

Изображая себя, то в облике элегантного парижанина, то пастора, то художника («Автопортрет в серой фетровой шляпе», 1887; «Автопортрет в галстуке и сюртуке», 1887; «Автопортрет в голубой куртке с палитрой и мольбертом», 1887), Ван Гог не использует всю полноту цветовой гаммы, а применяет лишь синие, желтые и коричневые оттенки. С помощью такого колорита и выразительной мимики живописец создает образ открытого и легкоранимого человека.

Автопортреты Ван Гога написаны им в течении всего пяти последних лет жизни. Художник пристально изучал себя, часто делая копии своих же автопортретов, меняя в них фон, детали, ракурс. Художник писал себя в столь различных состояниях, что эти автопортреты кажутся написанными с разных людей. Ван Гог изображает себя, то элегантным парижанином, то пастором, то художником, то сельским тружеником.

Творческая жизнь Ван Гога продолжалась всего 10 лет, постоянными спутниками художника были нищета, алкоголизм и приступы душевной болезни . Поэтому неудивительно, что на первых автопортретах 1886 года, когда художнику было всего 33 года, он выглядит (или ощущает себя!) намного старше, чем на автопортретах 1890 года, выполненных за несколько месяцев до смерти.

Искусствоведы пишут, что в многочисленных автопортретах художника "сквозит отчаянная попытка диалога художника с самим собою и зрителем".

Историки отмечают "они отражают его изменчивую внутреннюю жизнь, череду самопознания".

Опять же, соглашусь с биографами, что "выразительная мимика лица, тонкая нюансировка аксессуаров в сочетании с вариациями немногих ярких контрастных цветов создают образ человека открытой и легко ранимой души". В конце 1887 года Винсент Ван Гог писал из Парижа брату:
"Хочу скрыться куда-нибудь на юг, чтобы не видеть столько художников, которые как люди мне противны". В феврале 1888 года он отправляется в Арль, провинция Прованс. Там рождаются известнейшие полотна - Желтый домик, Арлезианка, почтальон Рулен, Колыбельная (в пяти вариантах) и т. д.
"Я нахожу, что то, чему я научился в Париже, исчезает, и я возвращаюсь к тем мыслям, что пришли ко мне на природе, до знакомства с импрессионистами", - пишет Винсент брату в августе 1888 года.
Может поэтому к автопортретам Винсент обращается в этом году не так часто, я бы сказал, всего четыре раза. В общем, это и понятно, к осени к Ван Гогу в Арль приехал Поль Гоген. Восторженные и плодотворные отношения между ними, мысли о создании колонии художников наподобие Бретани, Понт-Авена и др. закончились трагически в канун Рождества 1888 года, когда после бурной ссоры Винсент отрезает себе мочку левого уха и дарит ее проститутке по имени Рашель. Но это событие будет отражено в автопортретах художника уже в новом - 1889 году.

Нужно отметить, что 1889 - 1890 года художник провел под "гнетом" нервного недуга. Видимо, этим объясняется желание ван Гога изобразить себя с перевязанным ухом.

8 мая 1889 года Винсент ложится в лечебницу Св. Павла Мавзолийского близ Сен-Реми-де-Прованс, где ему разрешают писать на открытом воздухе под присмотром персонала. Кипарисы, оливы, звездное небо - основные темы его картин в это время, правда, периоды бурной активности чередуются у Ван Гога с длительными депрессиями.
В конце 1889 года он даже проглатывает краски, но представленные ниже автопортреты, слава Богу, уже написаны.

29 июля 1890 года Ван Гог умирает ночью в возрасте тридцати семи лет после того, как стрелял в себя из пистолета.
Его последний автопортрет, написанный за несколько месяцев до самоубийства, как пишут искусствоведы, "передает беспощадную честность" художника.

Далее цитата: "Измученный повторяющимися приступами безумия, художник безжалостно всматривается в себя и изображает истерзанную душу, отчаянно борющуюся с кошмарами, которые обступают его. Его лицо выражает стоицизм, губы крепко сжаты, глаза гипнотизируют своей решительностью".

Послесловием могут служить слова Тео Ван Гога из письма к матери уже после смерти Винсента: "...Он обрел покой, к которому стремился... Жизнь была для него такой тяжелой ношей, но теперь, как это часто случается, все расхваливают его таланты..." В нескольких источниках указано, что автопортретов в творческом наследии Ван Гога всего 40.
























Па́бло Пика́ссо

Испанский художник, скульптор, график, керамист и дизайнер, основоположник кубизма, в котором трёхплоскостное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещённых воедино плоскостей. Пикассо много работал как график, скульптор, керамист, и т. д. Вызвал к жизни массу подражателей и оказал исключительное влияние на развитие изобразительного искусства в XX веке. Согласно оценке Музея современного искусства (Нью-Йорк), Пикассо за свою жизнь создал около 20 тысяч работ.

Гений Пикассо обнаружил себя рано: в возрасте 10 лет он написал свои первые картины, а в 15 блестяще сдал приемный экзамен в барселонскую Школу Изящных Искусств (за день нарисовав обнаженного натурщика; это было задание, на которое отводился месяц).

На протяжении жизни Пикассо создал огромное число собственных изображений — картин и набросков, погрудных и в рост, рисованных и живописных, сделанных "с натуры" и по воображению. Многочисленные преобразования проводились Пикассо на ограниченном числе тем и сюжетов. Одним из таких сюжетов стал мотив автопортрета. Проследим различные приемы, с помощью которых реализуется эта тема.


Голубой период

Работы, созданные Пабло Пикассо между 1901 и 1904, относят к «голубому» периоду, так как в картинах этого периода у Пикассо преобладали акценты синего цвета. Но это далеко не единственная особенность. 

В это время молодой Пикассо находит свой собственный художественный язык, впервые ярко проявляется индивидуальность мастера: несмотря на все еще звучащие ноты влияний, мы уже имеем дело с проявлением истинной  индивидуальности художника.

«Автопортрет» 1901 года принадлежит к «голубому периоду». В нем преобладают темные тона; единственное светлое пятно на рисунке - лицо художника, бледное и как бы вырезанное, изображающую фигуру духовную, страдающего артиста. Недостает лишь какого-нибудь указания на принадлежность его к реальности: он помещен в какое-то «вневременное» пространство. Для картин этого периода характерны образы нищеты, меланхолии и печали. Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен».

Депрессивные мотивы возникли в творчестве Пикассо после самоубийства его друга – художника  Карлоса Касагемаса. Весной 1901 г. Пабло Пикассо второй раз в своей жизни приехал в Париж, где все напоминало о Касагемасе, с которым он совсем недавно открывал для себя французскую столицу. Пабло поселился в комнате, где провел свои последние дни Карлос, завел роман с Жермен, из-за которой тот покончил с собой.  В то время на него давили горечь потери, чувство вины, ощущение близости смерти... - это и послужило психологической подоплёкой «голубого периода».  Позже Пикассо говорил: "Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв"

Были написаны следующие автопортреты :

  • Пабло Пикассо Автопортрет 1901 г. Музей Пикассо, Париж

  • Пабло Пикассо Автопортрет. Я. 1901 г. Коллекция Джона Уитни, Нью-Йорк 

  • Пабло Пикассо Автопортрет 1901 г.

  • Пабло Пикассо Автопортрет (этюд) 1901 г.

  • Пабло Пикассо Автопортрет. Я - Пикассо 1901 г. Частная коллекция, Париж

  • Пабло Пикассо с партнершей 1901 г.

  • Пабло Пикассо Автопортрет с моделью 1902 г.

  • Пабло Пикассо Лежащая обнаженная и сидящий Пикассо 1902 г.

  • Пабло Пикассо Picasso and S. Junyer-Vidal 1904 г.

  • Пабло Пикассо Автопортрет 1903 г.



Розовый период

"Розовый период" характеризуется более жизнерадостными тонами - охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений - бродячими актерами, акробатами, арлекинами. На полотнах совершенно новый мир - мир комедиантов, цирковых актеров. Его влекли теперь нравственные ценности другого порядка.

Согласно биографической интерпретации, сам художник изображен в виде Арлекина, стоящего спиной к зрителю.

Образ Арлекина красной нитью проходит через все творчество художника, возвращаясь вновь и вновь в самых разных вариантах. Даже в течение кубистического периода, когда живопись Пикассо была начисто лишена каких бы то ни было литературных аллюзий, ромбические алмазные узоры костюма Арлекина по-прежнему выдают его присутствие. Столь упорная привязанность к одному и тому же персонажу побудила профессора Юнга предположить, что мотивом для столь навязчивых возвращений является подсознательное желание Пикассо запечатлеть в этом маскарадном костюме самого себя. Это предположение подкрепляется тем, что в раннем творчестве художника мы очень часто обнаруживаем изображения Арлекина, являющиеся, в сущности, автопортретами Пикассо.

В этот период были написаны следующие работы:

  • «В кабаре Лапин Агиль или Арлекин с бокалом», 1905 г

  • «Сидящий на красной скамье Арлекин», 1905 г

  • «Автопортрет с палитрой», 1906 г

  • Пабло Пикассо Автопортрет 1906 г. Коллекция Жака и Наташи Гельман, Мехико.

  • Пабло Пикассо Автопортрет 1906 г. Музей Пикассо, Париж

  • Пабло Пикассо Автопортрет с палитрой 1906 г. Музей искусств, Филадельфия, США



«Африканский" период»

Это был переломный момент в его творчестве и отсюда начался путь Пикассо от изображения конкретных людей к изображению человека как такового и к форме как к самостоятельной структуре. Пикассо требовались подтверждения его пути в общем развитии мирового искусства и новые впечатления для обретения новой творческой энергии и открытие наукой того времени целого пласта африканской культуры послужило толчком и для творчества художника.

Была написана работа:

«Автопортрет», 1907 г

Кубизм

В "кубическом" периоде Пикассо выделяют несколько этапов:

"Сезанновский" кубизм характеризуется "сезанновскими" тонами - охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и использованием простых геометрических форм, из которых строится изображение.

 "Аналитический" кубизм: предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте.

"синтетический" кубизм: работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, курительными трубками, столовыми приборами, афишами... Также, опасаясь превращения кубизма в чисто абстрактные эстетические упражнения, понятные лишь узкому кругу, Пикассо и Брак использовали в своих работах реальные предметы: обои, песок, веревки и др.

Были написаны автопортреты:

  • «Автопортрет 1» 1917

  • «Автопортрет в возрасте 36 лет» 1917 г.

  • « Автопортрет. Профиль.» 1921 г.





























Назаренко Татьяна Григорьевна


Т.Г. Назаренко – Заслуженный художник России (2002), с 1997 года – член-корреспондент, с 2001 года - действительный член, член президиума Российской академии художеств; профессор кафедры живописи, руководитель мастерской станковой живописи Московского Государственного академического художественного института имени В.И. Сурикова (1998). Член Союза художников с 1969 года.

В 11 лет Татьяна поступила в Московскую художественную школу. Там быстро определился круг друзей: Наталья Нестерова, Ирина Старженецкая, Любовь Решетникова, Ксения Нечитайло - будущие яркие мастера 1970-х годов. Это было время бурное, щедрое, богатое разнообразными событиями культурной жизни, время подъема отечественного искусства, знакомства с выдающимися произведениями отечественной и зарубежной классики ХХ века, до той поры находившимися под запретом и неведомыми молодежи.

В 1962 году Татьяна Назаренко поступила на живописный факультет Художественного института имени В.И. Сурикова, где ее учителями стали Д.Д. Жилинский, А.М. Грицай, С.Н. Шильников. После окончания института с 1968 по 1972 год она работала в творческой мастерской Академии художеств СССР у Г.М. Коржева.

Искусство Татьяны Назаренко формировалось под влиянием бурных событий 1960-х годов и воспоминаний о трагических событиях 1930-х. В нем соединились полнокровность мироощущения, жизнелюбие, умение переживать будничные события как праздник – и постоянная тревога, позволяющая превращать эти праздники в странные и сложные действа, где все правда – и неправда, где столько же веселья, сколько печали, где много слоев восприятия, много пространств, наложенных одно на другое, где зыбко время, переплетены точность натурных наблюдений и самая безудержная фантазия.

 В ней причудливо соединялись приверженность образцам Ренессанса, склонность к обобщенным размышлениям и трагическое чувство уязвимости борцов за свободу, за духовные идеалы перед крушащей безликой силой машины подавления. 

Большинство работ Назаренко автобиографичные.

Среди ее героев почти всегда можно встретить собственное изображение –автопортрет.

Характерны в этом смысле групповые портреты, решенные как жанровые картины («Студенты», 1969; «Молодые художники», 1968; «Мои современники», 1973; «Туманный день на Шикотане», 1976; «После экзамена», 1976) Их персонажи узнаваемо-портретны, коллизии правдоподобны: праздники молодежи, беседы в мастерской. И вместе с тем в них есть и нечто таинственное, превращающее бытовые сценки в романтические фантазии.

В работах Назаренко звучит стремление к контакту со зрителем, готовность открыть себя внимательному, сочувствующему взгляду. Художница написала несколько работ, где она почти впрямую говорит об исповедальности своего искусства, о том, как больно и трудно показывать себя незащищенной, раскрытой перед судом всеобщего равнодушия («Цветы. Автопортрет», 1979; «Циркачка», 1988; «Трапеза», 1992).

Начиная с конца 1970-х, в творчестве Назаренко все чаще возникает тема ранимости художника, "обнаженности", беззащитности перед судом ленивой и равнодушной публики и власть имущих. Она уже отчетливо звучит в одном из лучших ее автопортретов - картине "Цветы. Автопортрет" (1979, Третьяковская галерея). Почти все пространство холста занимает букет свежих, золотистых лилий, на стене - репродукция с картины обожествляемого ею Ван Эйка. Художница стоит, прижатая к краю холста, опустив глаза и безвольно раскинув руки, отвернувшись от того, что так ее обычно радует и служит постоянным источником вдохновения.

Эта тема становится лейтмотивом в "Циркачке" (1984). На головокружительной высоте, над крышами домов балансирует "без страховки" одетая только в бикини художница. Внизу аплодируют ее рискованному номеру зрители. Это чиновники из Союза, одетые официально: в темных костюмах, при галстуках. Назаренко наделяет их изображения узнаваемыми портретными чертами. Не зная конкретных обстоятельств, способствовавших появлению этой работы, ее можно было бы вполне рассматривать в кругу связанных с феминистским дискурсом произведений, тематизирующих роль женщины в обществе.

Что об этом говорит сама художница: «У меня счастливо творческая судьба сложилась. Так, я начала довольно рано ездить за границу. И потом, когда тебе вдруг говорят: "Больше ты никуда не поедешь, ничего не увидишь, не будешь выставляться. На групповой выставке 75-го года я решила, что если у меня снимут пять главных работ, то я сниму все и откажусь от участия в выставке. Но сняли три, и я решила, что должна участвовать. В 82-м году надо вылетать в Гамбург на выставку “Русское искусство сегодня”, а мне задерживают паспорт, и я на четыре года становлюсь не выездной. Что для того периода жизни достаточно долго и неприятно. Тогда я написала “Циркачку”, которая, голая, идет по проволоке. Свобода внешне скованной жизни: она по проволоке ходила, махала белою ногой .Какой тут феминизм. Я состояла какое-то время членом каких-то женских клубов. Мне неинтересно сидеть с бабами и обсуждать какие-то дела. У меня так мало времени. У меня дома ребенок.»

Однажды, Татьяну Григорьевну  Галерейщица пригласила делать выставку в Торонто. Назаренко сказала, что напишет картины на месте. Галерейщица сняла дом на берегу озера. Художница взяла с собой младшего ребенка, старшего ребенка, мужа Сашу, поехала, как говорится «всем караваном». Пока семья два месяца купалась, Татьяна Григорьевна написала шестнадцать двухметровых работ. Перед этим галерейщица взяла еще шесть ее хороших работ, среди них “Встреча Нового года”. У нее эти картины и остались. Кроме тех шестнадцати, которые исчезли первыми, когда я договорилась с одним мерзавцем из Бостона, который быстро приехал, увез их и исчез, не заплатив. А галерейщица выставила счет за пребывание там – дом, еда, пользование моторкой и так далее. И сумма-то не большая, шесть-семь тысяч, но у Назаренко же тогда их не было. Так эти картины и разошлись по свету.

После этого случая был написан автопортрет «трапеза»1992 .

На нем изображена ее голова на блюде, вокруг которого собрались алчущие человеко-звери с ножами в руках. Это - "комплимент" в сторону галеристов.

Творческие работы Татьяны Назаренко отмечены высокими наградами: Государственной премией РФ (1993), премией Правительства Москвы (1999), серебряной медалью Академии художеств СССР (1985).

Т.Г. Назаренко – Заслуженный художник России (2002), с 1997 года – член-корреспондент, с 2001 года - действительный член, член президиума Российской академии художеств; профессор кафедры живописи, руководитель мастерской станковой живописи Московского Государственного академического художественного института имени В.И. Сурикова (1998). Член Союза художников с 1969 года.

Живет и работает в Москве.











Галерея Уффици - энциклопедия лучших художников

Галерея Уффици - один из старейших музеев Италии и мира. Вы найдете его в самом сердце старой Флоренции. Города ставшего "родиной" Ренессанса и одним из лучших его произведений. Сердце знаменитого музея - коллекция не менее знаменитого рода Медичи, правившего здесь долгие годы. К моменту рождения музея, а произошло это примечательное событие во второй половине XVI века, она была одной из богатейших, лучших в мире.

Джотто, Боттичелли, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело (именно в Уффици хранится знаменитое тондо с изображением Святого семейства - единственное крупное живописное произведение неистового скульптора вне Сикстинской капеллы), Караваджо, Тициан… Имена, заставляющие замирать в сладостном предвкушении сердца ценителей прекрасного. Не говоря уже о великолепных образцах искусства Античности, а также произведениях (лучших произведениях!) художников французских, немецких голландских, фламандских… Лучшие художники, лучшие произведения.

В Уффици много замечательных и примечательных коллекций и экспонатов. Например, здесь хранится уникальное собрание автопортретов знаменитых художников. Конечно, автопортреты тружеников кисти, более или менее прославленных, можно найти в любом художественном музее. Но галерея автопортретов из Уффици собиралась сознательно и целенаправленно. Создавалась она как своего рода "доска почета" передовиком творческого "производства".

Основание этой драгоценной коллекции портретов старых и современных мастеров (действительно современных, ибо пополняется она до сих пор) было положено последним прославленным отпрыском дома Медичи - кардиналом Леопольдо Медичи в XVII веке (кардинал, кстати, увлекался не только искусством, но и наукой и даже в свое время числился среди покровителей Галилея).

Приступив к созданию галереи автопортретов, Леопольдо первым делом приобрел большую часть собрания произведений этого жанра римской Академии Святого Луки (евангелист Лука считался и почитался в Европе как покровитель искусства, по преданию он был первым человеком, запечатлевшим лик Девы Марии). Приобретая портреты старых мастеров, не забывал он и современности. И портреты знаменитейших художников того времени вошли в состав галереи. Следующие поколения не забывали о галереи. Уже в XVIII столетии герцог Пьетро-Леопольд приобрел для нее собрание аббата Пацци. Но все же основным источником обновления собрания стали сами художники. Иногда они присылали свои изображения сами, нередко само руководство Галереи Уффици выступало в роли заказчика. Получить такой заказ было почетно, и сразу ставило счастливчика (иногда заслужено, иногда нет) в один ряд с гениями прошлого.

Список художников, чьи портреты хранятся в знаменитом собрании, занимает несколько страниц. Рядом с именами титанов Возрождения, Дюрера, Рембрандта, Рубенса, Веласкеса и легкомысленного, как все искусство XVIII века, Буше вы встретите множество имен незнакомых. Но, в первую очередь, вы, конечно, обратите на русские имена в этом списке. Кипренский, Айвазовский, Кустодиев, Иванов (только не Александр, а Виктор художник века ХХ).

В 1819 году Флорентийская Академия художеств впервые заказала автопортрет для собрания Уффици русскому художнику. Им стал Орест Кипренский. Спустя 12 лет такая честь была оказана Карлу Брюллову, но тот, по каким-то причинам охладев к работе, его не окончил. Сегодня этот автопортрет хранится в коллекции уже не флорентийского, а петербургского музея. В 1874 году в галерею был помещен автопортрет Ивана Константиновича Айвазовского, в то время бывшего, действительно, одним из известнейших живописцев своего времени. Борис Кустодиев присоединился к ним в 1912 году и только в 1983 году там появился портрет Виктора Иванова.

Заключение

В своей работе я постаралась рассмотреть автопортреты трех совершенно разных художников: Ван Гога, Пикассо и Татьяну Назаренко.

Я заметила:

С помощью автопортретов Художники удивляют и поражают нас огромным разнообразием способов воспринимать и мыслить, заставляя нас постигать их с самых разных точек зрения, проникая в структуры форм и композиций. Преодолевая инерцию собственных привычек и усталость восприятия, продвигаясь от первых, самых ярких открытий навстречу новым, более глубоким вспышкам озарений.

Автопортрет более трезв и проницателен, нежели «Портрет художника N». Он требует полного самоанализа и смелости вынести себя и кредо своей творческой индивидуальности на суд зрителя.

При работе с автопортретом художник, делится со зрителем своими переживаниями, мыслями, ощущениями. В своей работе я постаралась услышать автора и понять то, что он хотел нам сказать.















Список литературы

  1. Дмитриева Н. А. Винсент Ван Гог. Человек и художник. — М., 1980.

  2. Марина Пикассо. Дедушка: воспоминания. М., Текст, 2006.

  3. А. Дехтярь "Молодые художники 70-х годов" изд. "Советский художник",

  4. А. Якимович "Исторические композиции и жанры Т. Назаренко", журнал "Советская живопись", N5, 1982;

  5. http://www.printdigital.ru/vangoghwork.php

  6. http://staratel.com/pictures/vangog/main.htm

  7. http://www.pablo-ruiz-picasso.ru/

  8. http://www.nazarenko-art.ru/russian/



Реферат на тему "Образ творца" (9 класс)
  • ИЗО, МХК
Описание:

Учащаяся в своей работе постаралась рассмотреть автопортреты трех совершенно разных художников.

Это интересные разноплановые авторы, жившие в разное время: импрессионист Ван Гог, кубист Пикассо и социальная художница, наша современница Татьяна Назаренко.

Так же в работе было представлено собрание автопортретов галереи Уффици.

Автор Иванова Оксана Павловна
Дата добавления 08.06.2015
Раздел ИЗО, МХК
Подраздел Другое
Просмотров 792
Номер материала 59900
Скачать свидетельство о публикации

Оставьте свой комментарий:

Введите символы, которые изображены на картинке:

Получить новый код
* Обязательные для заполнения.


Комментарии:

↓ Показать еще коментарии ↓